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Posts Tagged ‘filme’

Por Beto Carlomagno

MacGruber (Corram Que o Agente Voltou, 2010)

Tenho que dizer que o filme foi uma surpresa, melhor que o esperado. MacGruber, o filme, é a adaptação da sketch de mesmo nome do programa Saturday Night Live (SNL). A sketch foi criada, em 2007, como uma forma de parodiar principalmente o antigo seriado de sucesso MacGyver, o filme segue com essa intenção e ainda aproveita para fazer graça com o gênero de ação, principalmente com aqueles filmes do final dos anos 80, início dos 90, que eram protagonizados pelos brutamontes como Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger e companhia.

A trama do filme nos apresenta MacGruber (Will Forte) em uma espécie de retiro depois de sua suposta morte. Ele é recrutado como a única esperança de impedir que o vilão Cunth, interpretado por um caricato Val Kilmer, use uma ogiva nuclear roubada. Na própria sinopse você já nota uma semelhança com aqueles filmes produzidos nas décadas passadas. Não há nada rebuscado, apenas um cara fodão tentando impedir um desastre de proporções gigantescas.

E as referências não param ai. Temos a formação da equipe, os problemas pessoais do personagem principal com o vilão, o romance, as cenas de ação repletas de explosões, ou seja, tudo muito clichê. O que difere o filme daquelas produções é a comédia descarada. Will Forte está hilário como o personagem título. Kristen Wiig, como a ajudante de MacGruber e interesse amoroso, também é responsável por parte dos melhores momentos do filme, como a cena do Café, impossível de não rir. Já Ryan Phillippe se esforça, mas não chega a ser tão engraçado, está ali apenas como o cara sério e responsável. Jorma Taccone, escritor das sketchs junto com Forte, estreia na direção de longas de forma segura e competente.

Enfim, o filme é uma boa opção para quem gosta de comédias de ação e de paródias, mas paródias diferentes do estilo Todo Mundo em Pânico, que recria as cenas praticamente da mesma forma dos filmes parodiados. MacGruber é mais para uma paródia do gênero que se vale de elementos reconhecíveis, mas não propriamente do todo. Quem quiser ver o filme vai ter que esperar um pouco, já que com o fracasso de bilheteria nos EUA, ele tem previsão para ser lançado diretamente em DVD aqui no Brasil em outubro.

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Por Beto Carlomagno

Apenas Uma Vez (Once, 2006)

 

Nesse fim de semana resolvi que vou ver todos os filmes que o livro 1001 Filmes Para Ver Antes de Morrer indica, ou pelo menos tentar, leve o tempo que levar. Olhando a lista, fui marcando os que eu já havia visto e me deparei com o filme tema desse post na lista. Como eu o tinha em casa resolvi ver ontem mesmo, e, ao final, a única pergunta que me vinha à cabeça era: “porque demorei tanto para ver esse filme?”.

Apenas Uma Vez, um pequeno filme Irlandês de 2006, acompanha um homem (Glen Hansard), que trabalha com o pai em uma loja de aspiradores e, no seu tempo livre, toca na rua a troco de pequenas quantias que recebe dos transeuntes; e uma mulher tcheca (Markéta Irglová), que vive em Dublin, e vende rosas nas ruas para sustentar a família. Além disso, ela é uma pianista que, sem condições para ter seu próprio piano, toca durantes seus intervalos para o almoço em uma loja de instrumentos. A paixão pela música aproxima os dois e o tempo – e insistência dela – faz com que criem um forte laço de amizade e até romance, além de uma parceria musical.

A história não é rebuscada e nem cheia de reviravoltas. É um roteiro simples, porém bem escrito, que é conduzido com maestria pelo diretor John Carney e que se transforma em uma das mais belas histórias já contadas no cinema graças às belas músicas que conduzem o filme. Apenas Uma Vez pode ser considerado um musical, mas não divide em nada o histerismo e a cara de superprodução que a maioria do gênero apresenta. Em alguns momentos o filme se aproxima do tom documental, fazendo com que pareça quase um pequeno documentário feito durante a gravação de um álbum ou de uma turnê. O diretor e o diretor de fotografia se valem da câmera na mão durante toda a produção para criam uma proximidade do espectador com o filme, tornando quase íntimo. O filme é praticamente um registro caseiro da rotina dessas duas figuras interessantíssimas.

Apenas Uma Vez ganha sua audiência já logo na primeira cena, mostrando a incrível habilidade do protagonista com seu violão e sua incrível voz. E não dá para não falar das belas letras compostas para o filme. As canções falam sobre amor e decepção de uma forma bela e comovente. Desafio qualquer pessoa a não se emocionar com esse filme. E a produção só ganha com o fato dos protagonistas serem os verdadeiros compositores e cantores. O filme levou o Oscar em 2008 de melhor canção para a música Falling Slowly, sem dúvidas a mais bela do filme e que acompanha um dos mais tocantes momentos da produção. A dupla também tem feito shows como parte da promoção de um álbum lançado pelos dois na época do filme, The Swell Season. Eles passaram pelo Brasil agora em agosto, com pequenos shows em São Paulo e no Rio.

 

p.s. Esse post foi escrito ao som da ótima trilha sonora do filme que inclui todas as belas músicas cantadas pela dupla na produção. Fica a dica, veja o filme e ouça a trilha.

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Por Beto Carlomagno

Morte no Funeral (Death At A Funeral)

Quando remakes são anunciados é comum surgirem vários questionamentos quanto à necessidade de realização, qualidade do que está por vir e relevância. A coisa só piora quando o remake em questão é de um filme recente, como é o caso desse Morte no Funeral, que está saindo direto em DVD aqui no Brasil. O filme é um remake de uma produção inglesa de mesmo nome lançada em 2007 e dirigida por Frank Oz.

Ai você me pergunta por que eu assisti a esse filme. Eu respondo. Fiquei curioso por gostar muito da produção de 2007, que acho uma boa comédia e que realmente me fez rir, algo que não acontece frequentemente. Os filmes acompanham a reunião de uma família, um pouco distante, para o funeral do pai do protagonista, no remake interpretado por Chris Rock. Como toda comédia, esse cenário serve para o aparecimento de situações incomuns que levam ao riso, e nas duas produções, a ideia é se utilizar dos dramas familiares como base para piadas e situações constrangedoras.

Na descrição da sinopse já se percebe uma coisa: nada no plot da história é mudado para a produção, então, o fator novidade é zero para quem viu o filme original. As cenas são simplesmente refilmadas com um novo elenco, elenco esse que contém bons nomes da comédia norte-americana, como o já citado Chris Rock, Martin Lawrence, Tracy Morgan, Regina Hall e Luke Wilson, mas que nada fazem para salvar o filme do fracasso criativo. Todos parecem apáticos em cena.

As novidades na produção se resumem em poucas adaptações culturais e temporais, mas nada que acrescente ou o torne mais relevante. Além disso, o humor negro britânico, sarcástico e ácido, perde espaço para um humor mais histérico, cheio de gags e exageros. Eles também inseriram algumas subtramas desnecessárias que só tornou o filme mais confuso e dispensável. Esse realmente não é um filme que ajudará na carreira do diretor Neil LaBute, que tem no seu currículo outras obras fracas como Possessão com Gwyneth Paltrow e O Sacrifício com Nicolas Cage. Quer um conselho, procure a produção original, essa realmente merece ser vista.

Os trailers abaixo são uma ótima forma de notar a diferença entra as duas produções, que basicamente seguem o mesmo roteiro:

Trailer do original:

Trailer do remake:

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por Lígia Zampar

Quem é fã dos livros de Sherlock Holmes, de Sir Arthur Conan Doyle, e assistiu ao filme lançado em 2009 com certeza se decepcionou. Longe daquele homem que consegue resolver mistérios sem sair da sua casa, o longa-metragem coloca ação em todo movimento de Holmes, deixando o seu raciocínio em segundo plano.

Uma nova série da BBC, Sherlock, vem pra mostrar porque Holmes é amado e odiado ao mesmo tempo por seus leitores e agora, telespectadores. Famoso por utilizar métodos científicos e lógica dedutiva, muitas vezes ele se entusiasma com o mistério e esquece que existem vidas em jogo, e por isso parece não ter emoções.

Até agora foi lançada a primeira temporada com três episódios, de 90 minutos cada. O tempo é suficiente para desenrolar um bom enigma e chegar a um desfecho. Os primeiros programas registraram média de 7,3 milhões de espectadores na Grã Bretanha, o que confirmou a realização da segunda temporada, ainda sem número certo de episódios.

A série conta com o ator Benedict Cumberbatch no papel de Sherlock Holmes, além de Martin Freeman, que dá vida ao fiel escudeiro Watson.

Ao contrário da obra literária, onde Holmes vivia na era vitoriana, o seriado mostra o detetive no século XXI: um homem conectado à internet e viciado em SMS. O que torna a adaptação ainda mais irrestível é a capacidade de trazer um personagem de 1887 para o dia de hoje sem perder seu charme, inteligência e, às vezes, arrogância.

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Por Beto Carlmagno

Daybreakers

É bom ver que o gênero dos vampiros não se restringe à saga Crepúsculo nos cinemas, e é bom também ver que há pessoas dispostas a respeitar a mitologia desses seres imortais, ou pelo menos os principais pontos dela. Em Daybreakers, filme de 2009, lançado nesse ano nos EUA, mas com pouca divulgação – será lançado no Brasil agora em agosto, direto em DVD, com o péssimo título de 2019 – O Ano da Extinção –, vampiros realmente não podem sair na luz do sol, eles dependem mesmo de sangue para viver, possuem o instinto animalesco e de caçador e morrem com uma estaca no coração. E é um bom exemplar do cinema sanguessuga.

O filme se passa algum tempo no futuro, mais precisamente em 2019, quando um vírus se espalhou pelo planeta e transformou grande parte da população em vampiros. A pequena porcentagem que ainda continua humana se divide entre fornecedores de sangue para os vampiros, involuntariamente é claro, e alguns que vivem à margem da sociedade, fugindo para não se tornarem a próxima refeição da espécie dominante. Esse número cada vez menor de seres humanos tem preocupado as autoridades do mundo todo, já que o sangue está acabando, racionamentos são feitos ao redor do globo e o preço tem subido mais e mais. Além da fome, a falta de sangue também tem trazido grandes consequências para a população. Vampiros que passam muito tempo sem se alimentar tem sofrido mutações e se transformado em uma subespécie que se alimenta inclusive de vampiros.

Preocupados com seu próprio futuro, várias empresas espalhadas pelo planeta tentam desenvolver sangues sintéticos, entre esses tantos cientistas está o vampiro Edward Dalton (Ethan Hawke), um hematologista que trabalhar para uma das maiores empresas de fornecimento de sangue humano e que também está tentando criar o sangue sintético. Quando Dalton sofre um acidente e se depara com humanos, ele acaba descobrindo a possibilidade de criação de uma cura, e passa a busca-la.

A produção não é a coisa mais inovadora do mundo, mas é divertida e violenta na medida do que se espera de um filme de vampiros e se destaca em alguns pontos, sendo o seu visual o principal. Extremamente bem cuidado, os diretores Michael Spierig e Peter Spierig, também responsáveis pelo roteiro, jogam o tempo todo com o contraste de imagens, cores quentes e cores frias, noite e dia, vivo e morto. Tudo isso para retratar o ambiente em que o filme se passa. O tratamento da imagem nas cenas noturnas e que envolvem vampiros deixa o filme tão pálido quanto as criaturas que retrata, chega a ser quase preto e branco na maior parte do tempo, puxando sempre para tons azulados, característicos das luzes brancas utilizadas nos cenários do filme e também da frieza desses seres. Quando as cenas envolvem seres humanos ou a luz do dia os tons puxam para o laranja e o vermelho, remetendo às cores quentes, ao sangue que pulsa em suas veias e especialmente ao sol, que se contrapõe às luzes brancas da noite como meio de iluminação, imprimindo assim o seu tom no ambiente.

As cenas de ação, mesmo que não sejam muitas e nem grandiosas, são bem orquestradas e com sangue na medida. A maquiagem para criar a subespécie também é bem feita, aproximando suas vítimas dos morcegos, símbolos do vampirismo. Suas orelhas ficam pontudas, seu rosto deformado, seus cabelos caem e até asas surgem. Enfim, é um filme que flerta mais com o gênero ação e terror, comuns à cinematografia dos sugadores de sangue.

Se o filme tem um problema grande é o seu tempo. Com apenas uma hora e meia de duração, ele acaba se perdendo nas grandes questões que se propõe a discutir e passando uma sensação de apressado ao espectador. As cenas às vezes parecem corridas e as soluções repentinas. O final também poderia concluir melhor, talvez com as tão famosas frases explicativas do que aconteceu – sei que não é muito original, mas é uma solução para quando não se tem mais dinheiro ou tempo. O que acredito que tenha acontecido aqui é a esperança que os realizadores tinham de o filme fazer sucesso e uma continuação ser realizada, o que não deve acontecer, e é uma pena.

*Beto Carlomagno é estudante do terceiro ano de Jornalismo da UEL. Além da coluna “Sessão de Domingo” ele assina o blog http://behindthescenes-takes.blogspot.com/

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Por Beto Carlomagno

Encontro Explosivo (Knight and Day)

James Mangold é um cara versátil.  Ele surgiu para o grande público com o policial Cop Land, seu segundo filme, lançado em 1997 com Sylvester Stallone, Harvey Keitel, Ray Liotta e Robert De Niro. Seu filme seguinte foi Garota Interrompida, drama de 1999 que rendeu o Oscar de melhor atriz coadjuvante para Angelina Jolie, e que contava ainda com Winona Ryder, Jared Leto e Brittany Murphy no elenco. Depois veio o romance açucarado Kate & Leopold, estrelado por Hugh Jackman e Meg Ryan, em 2001, seguido pelo excelente suspense Identidade, de 2003, estrelado por John Cusack, Amanda Peet e Ray Liota. Em 2005 ele provou a que veio com o ótimo e premiado Walk The Line (traduzido toscamente no Brasil como Johnny & June). O filme que contava a vida da lenda da música, Johnny Cash, interpretado brilhantemente por Joaquin Phoenix, foi seu maior êxito criativo. Em 2007, flertou com o gênero faroeste com o elogiado Os Indomáveis (3:10 to Yuma, título original), estrelado por Christian Bale e Russel Crowe.  E agora, em 2010, James Mangold surge com o que podemos chamar de seu primeiro blockbuster, Encontro Explosivo, que não chega a ser a melhor obra do diretor, mas é bem divertida.

O filme na verdade é mais uma tentativa de seus astros, Tom Cruise e Cameron Diaz, de voltarem ao primeiro lugar nas bilheterias, o que também não deu certo. O filme estreou nos EUA em terceiro lugar, com uma arrecadação da “apenas” pouco mais de 20 milhões de dólares, algo considerado baixíssimo para um filme com dois astros desse porte como protagonistas. Depois de esclarecer certos pontos, vamos ao filme. Encontro Explosivo conta a história de um agente da CIA, Roy Miller (Cruise) que está sendo perseguido pela própria agência. No aeroporto se encontra com June Havens (Diaz). Ele a escolhe como meio de passar algo que ele está protegendo pela segurança do aeroporto. Nesse meio tempo, entre trombos, aviões caindo e explosões, June acaba se apaixonando por Roy, o que a torna também um alvo. Com isso, Roy é obrigado a levá-la em sua viagem pelo mundo enquanto foge da CIA e tenta proteger os dois.

Encontro Explosivo é mais um exemplar da comédia de ação envolvendo casais. Só nesse ano, além desse, dois já foram lançados nos EUA com sinopses parecidas. O Caçador de Recompensas (já lançado aqui no Brasil também) e Killers (que tem lançamento marcado para o fim de agosto por aqui). Não vi Killers, mas posso dizer que certamente Encontro Explosivo é mais divertido que O Caçador de Recompensas, por contar com um diretor mais talentoso e ter protagonistas mais carismáticos. Tom Cruise está impagável, e até um pouco canastrão, como o agente da CIA Roy Miller. Ele surge em um mix de charme e loucura que ajuda no desenvolvimento da história e torna suas atitudes mais críveis. Já Cameron Diaz continua como a garotona que é divertida, um pouco largada e ainda sentimental e querida.

O filme de Mangold não traz nada de novo ao gênero, não deve revolucionar nada e nem ser uma obra que futuramente se tornará obrigatória, mas cumpre seu papel de entreter enquanto você está dentro da sala de cinema. O diretor, mesmo um pouco limitado diante de um roteiro com alguns problemas, entrega algumas sacadas interessantes durante o filme. A cena do avião, em que Cruise acaba com os bandidos, enquanto Diaz está no banheiro se arrumando para ele, é muito boa, cheia de sacadas divertidas e bem coreografada. Outra que se destaca é a cena em que Diaz é dopada por Cruise para que não o atrapalhe. Foi uma ótima escolha colocar o espectador na visão da personagem de Cameron e fazer com que a passagem de cenas fosse daquela forma.

Se o filme peca seriamente em alguma coisa é na parte dos efeitos especiais. Para um projeto como esse, espera-se apenas o melhor, mas não é o que acontece. Algumas cenas realmente parecem mal feitas, principalmente quando são as que envolvem close nos protagonistas e o uso do fundo verde. Tudo parece bem fake. Mas são tomadas rápidas, que não devem atrapalhar o desenvolvimento do filme. Outro ponto que talvez incomode o espectador é a invencibilidade do personagem de Cruise. Nada parece acontecer com ele, o que torna sua ligação com o personagem um pouco fraca. Você, em certo momento do filme, para de se importar com ele, já que está claro que nada vai acontecer.

*Beto Carlomagno é estudante do terceiro ano de Jornalismo da UEL. Além da coluna “Sessão de Domingo” ele assina o blog http://behindthescenes-takes.blogspot.com/

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Por Beto Carlomagno

Kill Bill

Nesses últimos dias a nostalgia de alguns anos atrás tem tomado meu corpo, tenho tido vontade de rever alguns filmes que gosto muito e tenho ouvido músicas que marcaram alguns anos da minha adolescência e início da vida adulta. Por isso, na Sessão de Domingo dessa semana vou indicar um clássico recente na minha humilde opinião, o favorito desse que vos escreve, Kill Bill, do excelente Quentin Tarantino, meu diretor favorito.

Para começar, tenho que deixar claro, o filme na verdade são dois. Explico: ao início das filmagens os produtores notaram que o roteiro era maior que o esperado por eles e como nada poderia ficar de fora do filme resolveram dividi-lo em duas partes: Kill Bill Vol. 1 estreou em outubro de 2003 nos EUA e sua segunda parte – Kill Bill Vol. 2 – chegou aos cinemas norte americanos em abril de 2004, exatamente seis meses depois. Como Tarantino é sempre maltratado pelos cinemas brasileiros, só vimos a primeira parte por aqui em abril de 2004, com a segunda estreando em outubro do mesmo ano, mantendo os seis meses de intervalo entre um filme e outro.

A história de Kill Bill segue a vingança de uma mulher, conhecida no primeiro filme como A Noiva (Uma Thurman), machucada física e emocionalmente. Ela, uma assassina profissional, é traída pelos seus parceiros de crime, o grupo DiVAs (Deadly Viper Assassination Squad, ou em português, Esquadrão da Morte Víboras Mortais) e por seu chefe, mentor e grande paixão, Bill (David Carradine, ator que foi encontrado morto no ano passado em um quarto de hotel). No dia de seu casamento ela presencia a chacina de todos os seus convidados, de seu futuro marido, do pastor e até do músico, antes de ser espancada por seus ex-parceiros, tudo isso grávida claro, para em seguida levar uma bala na cabeça disparada pelo próprio Bill, enquanto ele diz um dos clássicos diálogos que só poderiam sair da cabeça de Tarantino, algo do tipo: “Você deve achar que sou sádico agora, mas te garanto que estou sendo masoquista”. Incrivelmente ela sobrevive e depois de quatro anos em coma ela acorda sedenta por vingança e decidi ir atrás de cada um dos participantes do ocorrido naquela capela no Texas.

Os eventos do filme são contados por meio de capítulos que não respeitam uma linearidade, mas, graças à destreza na direção de Tarantino, em nenhum momento sentimos qualquer furo na história, qualquer ponta desamarrada, ele vai e vem o tempo todo, sem estragar futuras surpresas ou revelar o que pretende. Tudo muito bem costurado com os diálogos primorosos habituais do diretor e cenas de ação incrivelmente bem realizadas, de uma veracidade e brutalidade que só Tarantino sabe fazer. Seus fãs, acostumados com suas maluquices visuais e seu apreço pela violência se sentirão em casa, mas o espectador desavisado, que pouco ou nada conhece do diretor pode sentir certa estranheza e até certo incômodo. Além do comum em sua obra, Tarantino apela para o exagero proposital como meio de criar visualmente uma homenagem aos seus estilos cinematográficos favoritos, como os filmes de artes marciais orientais, os westerns spaghettis, o trash e até os animes orientais – no meio do primeiro volume o diretor inseriu um anime que serve para explicar a origem de uma das assassinas do DiVAs, O-Ren Ishii, personagem de Lucy Liu). Some a tudo isso uma interpretação primorosa de Uma Thurman como A Noiva (The Bride), cujo nome verdadeiro só é revelado no segundo volume (se quiser descobrir, assista), David Carradine saindo do ostracismo para fazer o melhor papel de sua carreira desde a séria Kung Fu, e também seu último papel de destaque. Carradine inclusive protagoniza no segundo volume uma cena excelente em que cria toda uma metáfora envolvendo o Superman que é primorosa, cujo diálogo só poderia sair da cabeça de alguém como Tarantino.

Além disso, Tarantino cria pequenas pérolas em cenas que já entraram para a história do cinema – o enterro d’A Noiva viva, também no segundo volume, é de uma angústia antes nunca presenciada no cinema. Quem teve o privilégio de assistir ao filme no cinema como eu, entende o que digo. Nesse momento, a tela fica toda escura, o que faz com que a sala fique na penumbra, e o diretor se vale apenas do som da respiração para demonstrar o desespero daquela mulher que foi enterrada viva e deixada ali para morrer. Ainda temos a sensacional luta d’A Noiva com os 88 Crazies, os capangas de O-Ren Ishii, no volume um. Coreografada primorosamente pelo mesmo coreógrafo que cuidou das lutas de Matrix, mas aqui com uma veracidade e crueza típicas do diretor.  Quem também ressurge direto dos filmes B é Daryl Hannah. Sua personagem, Elle Driver, uma das assassinas do DiVAs, tem motivos a mais para querer acabar com A Noiva, e ela deixa isso bem claro desde sua primeira aparição na tela, tanto que o encontro das duas é um evento tão esperado no filme quanto o próprio embate entre A Noiva e Bill.

Bom, vou parar por aqui, porque se eu continuar, daqui a pouco estarei comentando cada cena, cada diálogo.  Só digo uma coisa, veja o filme, é sem dúvida uma obra-prima contemporânea e que merece ser visto e revisto.

Ah, os filmes ainda trazem uma incrível trilha sonora, marca registrada do diretor – destaque para a música “Baby Shot Me Down” de Nancy Sinatra, responsável por conduzir os créditos iniciais do filme.

*Beto Carlomagno é estudante do terceiro ano de Jornalismo da UEL. Além da coluna “Sessão de Domingo” ele assina o blog http://behindthescenes-takes.blogspot.com/

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por Beto Carlomagno

Príncipe da Pérsia: As Areias do Tempo (Prince of Persia: The Sands of Time)

Está em cartaz em Londrina desde quinta-feira mais uma adaptação direto dos games, Prince of Persia: The Sands of Time. O filme adapta a famosa franquia que se estabeleceu como uma das principais no quesito exploração e ação. Eu não conheço a mitologia do jogo, sua cronologia ou história, o que conheço é um dos pontos pelo qual a franquia é muito famosa, sua jogabilidade e movimentação.

Cartaz do filme Príncipe da Persia

Prince of Persia, o filme, conta a história de um príncipe, óbvio, da Pérsia, mais uma vez óbvio, que, após a morte de seu pai, pela qual é acusado, tem que proteger um artefato mágico que tem o poder de voltar no tempo. O artefato, uma adaga que contém as tais areias do tempo, pertence a um povo conquistado pelos persas e que acaba nas mãos de Dastan (Jake Gyllenhaal), o príncipe do título. Agora, ele tem que, ao mesmo tempo, proteger a adaga de cair em mãos erradas e limpar seu nome da acusação de ter matado o próprio pai. Para isso ele vai contar com a ajuda da Princesa Tamina (Gemma Arterton), conhecedora dos poderes da adaga e guardiã do artefato.

O filme pode sim ser considerado uma boa adaptação, o que por si só já é um grande elogio. Normalmente, adaptações de games são famosas por não serem fiéis ao jogo base e por acabar com o charme do produto original. Essa visão tem mudado graças ao investimento e envolvimento cada vez maior das próprias produtoras de games no desenvolvimento das franquias em outros meios. Além disso, o filme traz o selo Disney e a produção de Jerry Bruckheimer, o mesmo produtor de grandes franquias como Piratas do Caribe e A Lenda do Tesouro Perdido. Esses nomes envolvidos já garantem uma produção acima da média, já que eles sempre entregam produtos da melhor qualidade e extremamente bem finalizados, e Prince of Persia não é uma exceção. Os cenários grandiosos, as locações – no Marrocos –, tudo é feito com o esmero que se espera desses grandes nomes. Além disso, o diretor contratado para a produção, Mike Newell (Harry Potter e o Cálice de Fogo), também é conhecido pelo seu bom trabalho na produção e no visual.

Outro ponto a favor da adaptação de Prince of Persia foi a introdução de elementos que fazem parte da mitologia dos games. O filme traz os tão conhecidos movimentos do personagem nos games, como andar pelas paredes, saltos e todas as habilidades de um praticante de parkour, e também se utiliza dos puzzles, tão famosos nos jogos. Eles tiveram o cuidado de mostrar o personagem solucionando quebra-cabeças que o levam a conseguir seu objetivo, o que é constante em jogos, e uma marca da série.

A ação e os efeitos especiais são impecáveis, garantindo ao espectador cenas de tirar o fôlego intercaladas com momentos de alívio cômico, algo comum nas produções de Bruckheimer. O filme tenta sim sugar um pouco do que foi feito em Piratas do Caribe, já que o produtor pretendia criar aqui uma nova franquia, mas não é nada que incomode. O verbo foi usado no passado porque acho difícil, depois da abertura nas bilheterias americanas – o filme estreou em terceiro lugar –, continuações serem feitas. Uma pena já que o filme é diversão da melhor qualidade.

Uma das grandes reclamações da maioria dos críticos é o uso de atores sem qualquer ligação étnica com os personagens. Eu entendo que seria melhor termos a representação fiel nas telas, mas também entendo o lado do produtor e do estúdio. Eles estavam produzindo um filme de 200 milhões de dólares e queriam rostos conhecidos para chamar o público. Isso as vezes da certo, as vezes não. Mas não é nada que faça o filme perder pontos.

*Beto Carlomagno é estudante do terceiro ano de Jornalismo da UEL. Além da coluna “Sessão de Domingo” ele assina o blog http://behindthescenes-takes.blogspot.com/

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Por Beto Carlomagno

Fúria de Titãs (Clash of the Titans)

Está em cartaz no Brasil, e também em Londrina, desde sexta-feira retrasada (21), o filme Fúria de Titãs. O filme dirigido pelo francês Louis Leterrier (o mesmo de O Incrível Hulk) é um remake do clássico homônimo de 1981. Fúria de Titãs acompanha a história de Perseu (Sam Worthington), um semideus, filho de Zeus (Liam Neeson) com uma humana, que decide lutar do lado dos homens contra a vontade dos deuses. A batalha é desencadeada pelo pedido de Hades (Ralph Fiennes) de que a princesa Andrômeda (Alexa Davalos) fosse sacrificada como uma forma de demonstrar a submissão dos humanos perante os deuses. Perseu resolve partir para a guerra como forma de se vingar dos deuses por terem matado seus pais (uma mudança grande em relação ao roteiro do original, que colocava Perseu nessa jornada por amor e não por vingança).

O filme, que vinha gerando uma grande expectativa nos fãs de cinema fantástico, acabou sendo decepcionante. Se você busca por grandes batalhas, cenas de ação de tirar o fôlego e vários personagens da mitologia caracterizados de forma até que interessante, você até encontrará nesse Fúria de Titãs. Mas, se você quer algo com uma história melhor e mais intrigante, com um roteiro que o faça pensar – ou pelo menos seja bem escrito, desista. O novo Fúria de Titãs é o típico filme feito para aqueles dias em que você quer se sentar na sala de cinema, desligar o cérebro e acompanhar belas cenas e muita ação e pancadaria rolando na tela. As belas cenas são por conta dos excelentes efeitos especiais, um dos grandes méritos desse novo filme, das belas paisagens escolhidas pela equipe de produção – o filme quase que todo rodado em locação – e da excelente parte técnica do filme, os figurinos e a cenografia são realmente bons. Além disso, as cenas de ação aceleradas são divertidas e realmente bem orquestradas.

Do resto, Fúria de Titãs foi uma grande decepção, e muito disso se deve ao diretor. Louis Leterrier é aquele típico diretor peão do estúdio. É contratado para fazer tudo que o estúdio pede e com o roteiro que tem em mãos. Ele é apenas um nome centralizando o controle do estúdio e isso se reflete na direção de atores, que é extremamente fraca. Sam Worthington continua com a mesma cara de machão/fodão que deve colocá-lo entre os grandes heróis de ação, algo que está em falta no cinema atualmente, já que desde seu auge, no fim dos anos oitenta e início dos noventa, esse gênero deu uma caída. No fim dos anos noventa e início dos anos dois mil o herói de ação era mais o cara normal, na situação que exigia dele certo heroísmo. Esse cara continua, mas agora esses heróis machões que matam todos estão voltando, auxiliados pelo retorno de alguns dos grandes nomes daquela época aos cinemas, como Sylvester Stallone, e com o surgimento de novos candidatos às vagas deixadas por outros que não tiveram tanta sorte. Vin Diesel – que já provou só funcionar em franquias já pré-estabelecidas – e The Rock falharam em assumir esse posto, mas Worthington tem despontado como favorito atualmente, vamos ver o que o futuro reserva para ele.

Temos também no filme, alguns grandes atores que parecem estar ali para pagar as contas. Liam Neeson e Ralph Fiennes surgem em papéis tão canastrões que chega a ser constrangedor em alguns momentos acompanhar suas cenas. Então fica o aviso, o filme só vale se você quiser distração descompromissada em que seu cérebro permanecerá concentrado no visual.

P.S. o filme foi lançado também em 3D, graças a essa mania de converter tudo que está sendo lançado. Eu não vi em 3D porque tudo que li sobre me desanimou. A conversão foi feita às pressas para aproveitar a febre e acabou depondo contra o filme. Dizem que os atores chegam a ficar destorcidos na maioria das cenas. A dica da maioria dos sites que viram em 3D é que vale mais a pena ver em 2D. Fica a dica!

*Beto Carlomagno é estudante do terceiro ano de Jornalismo da UEL. Além da coluna “Sessão de Domingo” ele assina o blog http://behindthescenes-takes.blogspot.com/

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por Leonardo Caruso

gracepotter.com

Nosso amigo e colunista Beto Carlomagno já escreveu no Londripost a respeito do filme Alice no País das Maravilhas, com super efeitos especiais 3D, dirigido por Tim Burton e em cartaz nos cinemas de todo Brasil.Ao final do post, ele mencionou a trilha não original, mas inspirada no filme, Almost Alice. Em português a tradução poderia ser algo como “Quase Alice”.

E o que tem de especial em Quase Alice. A começar pelo nome, o álbum reflete parte do enredo do filme, no qual Alice vai se (re)descobrindo como Alice. Reflete também a diversidade criativa que são os livros de Lewis Carroll e os filmes de Burton. As baladas predominam, variando de um pop dançante a um rock de balançar as cabeças.

Dezesseis faixas de artistas distintos que dominam as paradas internacionais deixam sua palhinha no CD, dentre eles: Avril Lavigne, Franz Ferdinand, Wolfmother, Kerli, 3OH!3 e Neon Hitch, Tokio Hotel e Owl City. O nome das músicas também tem a ver com Alice no País das Maravilhas, como “Alice” da Avril e “White Rabbit” de Grace Potter and the Nocturnals.

Alice está presente no filme e é a carro-chefe da trilha, mas, particularmente, recomendo algumas outras músicas do álbum, como “Her Name is Alice”, de uma banda chamada Shinedown, “Follow Me Down” do 3OH!3 e Neon Hitch e “Welcome to Mistery” dos Plain White T’s.

Impossível de se cansar de ouvir e realmente viciante, Almost Alice é um item obrigatório para quem adora música, para quem ama CDs, para quem é fã dos livros de Lewis Carroll, dos filmes de Tim Burton ou simplesmente para aqueles que adoram baixar um trilha sonora diferente pelo torrent.

Serviço:
Almost Alice
CD
R$39,90
Livrarias e Sites Especializados em Vendas
*Pode ser baixado no iTunes e outros serviços de download pago

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